По уже сложившейся традиции под Новый год в Электротеатре играют «Синюю Птицу» по пьесе Метерлинка и воспоминаниям Алефтины Константиновой и Владимира Коренева.
Трилогия «Синяя птица» была сделана Борисом Юханановым как встреча нескольких сюжетов – Морис Метерлинк, история советского искусства и общества, наконец, самое ценное и уникальное – личные воспоминания актеров Владимира Коренева и Алефтины Константиновой. Сегодня, когда Владимира Борисовича Коренева нет в живых, спектакль обретает иное звучание и смысл – это реквием по ушедшему артисту, память о котором сохраняется в интонациях и словах его наследников, артистов Электротеатра Станиславский, играющих вечных детей, Тильтиля и Митиль.
Трилогию можно смотреть как целиком, так и каждый спектакль по отдельности. Совместно с Электротеатром собрали 5 причин погрузиться в фантастическую вселенную спектакля.
Сюжет Метерлинка как путеводитель по невидимым мирам
Пьеса Мориса Метерлинка — легендарный для русского театра «кейс»: ее ставил Константин Станиславский в раннем МХТ и этот спектакль остался в истории театра как символистская феерия про мечту и про память. Постановка 1908 года должна была быть наивна и проста, а в своей легкости и жизнерадостности напоминать детский сон.
Спектакль Бориса Юхананова — первая работа режиссера в обновленном Электротеатре, который открылся в Москве в 2015 году и стал образом уникального места, где исторический бэкграунд встретился с новейшей концепцией и дал потрясающий результат.
Волшебная пьеса Метерлинка при внимательном рассмотрении Бориса Юхананова оказывается путеводителем по невидимым мирам. Сюжету пьесы Мориса Метерлинка сплетается с историей жизни актеров-легенд: сыгравших вечных детей Владимира Коренева и Алефтины Константиновой. Юхананов обращается с текстом пьесы как со структурной основой, благодаря которой отмечаются вехи судьбы актеров-легенд, потому так легко в спектакле сочетаются эти два пласта — текст пьесы и текст жизни.
Длительность и масштаб
Трилогия «Синяя птица. Реквием» — одна из самых многолюдных постановок в российском театре. Всего в спектакле задействовано 80 актеров. Спектакль идет в три вечера: «Путешествие», «Ночь» и «Блаженство» (в финале дети обретают его вместе со всеми, кто искал синюю птицу). Каждый из вечеров можно смотреть как отдельный спектакль.
Первая часть «Синей птицы» — «Путешествие». Приключение Тильтиля и Митиля режиссер располагает между двумя разными «детствами»: детство как период жизни и детство как состояние чистоты духа, обретенное человеком по пути его жизни.
Вторая часть «Синей птицы» — «Ночь» — посвящена театру, ставшему частью жизни актеров и не отпускающему их никогда. Алефтина Константинова и ее товарищи по сцене не только вспоминают старые спектакли, но и играют их фрагменты заново, как будто пытаясь войти в одну из комнат своей памяти.
Третья часть «Синей птицы» — «Блаженство» — возвращает нас в детство. Приключение Тильтиля и Митиль приводит их в мир разноцветных пушистых блаженств, наперебой перечисляющих самые сладкие человеческие приятности.
Личные воспоминания и многофигурный миф спектакля
Материалом для спектакля (кроме метерлинковского сюжета о детях из бедной семьи, рождественской ночью отправившихся в путешествие по ту сторону света из желания спасти девочку-соседку), стали личные воспоминания актеров, тексты из «Евгения Онегина» и целый ассортимент исторических референсов.
Костюмы и сценография
Для спектакля были придуманы и пошиты 370 костюмов. Художница Анастасия Нефёдова создала огромную и фантастически разнообразную коллекцию театральных одежд: от пижамок Тильтиль и Митиль до елочных игрушек в советском стиле.
Главные элементы сценографии, созданной художником Юрием Хариковым: фрагмент фюзеляжа самолета «в разрезе» и пространственная, насыщенная визуальными аллюзиями и символами видеографика.
С помощью хитрых технических приспособлений и по-буддийски невозмутимых работников сцены театральный боинг превращается в ковер-самолет, киноэкран, палубу корабля, «зерцало» божественного гнева или в цирковой занавес.
Видеографика Евгения Виноградова, кропотливо вписанная в сложную, совмещает функции сценографии, добавляя дополнительные планы к той или иной мизансцене, и особого персонажа, принимающего на себя разнообразные мистические лики.
Театр Но
В спектакле присутствуют элементы театра Но. С актерами занимался настоящий мастер этого традиционного японского театра Кавамура Харухиса. Театр Но — зародившийся в XIV веке благодаря двум японским актерам традиционный вид театра, в котором есть жесткие ограничения и правила, а значит — строгий ритуал. В театре Но всегда должно быть 4 актеров и хор, используются маски, мужчины играют женские роли, для игры предназначена кипарисовая площадка для игры размером 6 x 6 метров и кодифицированный «язык жестов») и с кувшинами под ней для акустики. Строгость исполнения и определенность смыслов сохраняется веками, поэтому знакомый с внутренним кодексом Но зритель всегда знает, что его ждет и как эта церемония будет происходить.
Во время работы над ним актеры прошли несколько этапов репетиций с мастером театра Но Кавамура Харухиса, представителем киотской школы Но клана Кавамура, с помощью которых они получили возможность знакомства и освоения основ этой театральной техники, элементы которой вошли в спектакль как стиль, как язык, необходимый для характеристики персонажей и создания мистической атмосферы действия.