Как не ударить в грязь лицом на выставке современного искусства? Рассказывает колумнист PEOPLETALK и искусствовед Саша Ришар

Помнишь культовую сцену из фильма «1+1», где экранный герой Омара Си сокрушается над тем, сколько стоит картина на выставке, и утверждает, что любой может такое нарисовать? Все мы немножко персонаж этой ленты. Уверены, у каждого хоть раз в жизни была ситуация, когда видишь экспонат музея и вообще не понимаешь, что это такое и почему оно так дорого стоит.

Мы решили разобраться в теме современного искусства, поэтому запускаем серию колонок, которые помогут даже самому далекому от арт-мира человеку не ударить в грязь лицом на выставках. 

Передаем слово нашему эксперту – искусствоведу и куратору выставок современного искусства Саше Ришар. 

Саша Ришар (искусствовед и куратор выставок современного искусства)

«Искусство может позволить обычным скучным вещам стать интересными. Ты можешь увидеть много чудесного в малом, если позволишь себе это», – Энди Уорхол.

Каждый из нас сталкивается с произведениями современного искусства практически каждый день, даже не замечая этого. Предметы дизайна, арт-объекты в парках, репортажи с громких открытий модных выставок, завсегдатаями которых стали не только представители узкого художественного круга, но и вся светская тусовка.

Неподготовленному зрителю может показаться, что современное искусство нелепое и пугающее, и многие до сих пор считают, что оно в своем развитии движется не вперед, а назад. Для того чтобы разобраться в современном арте и его смыслах, нужно изучить исторический контекст, в котором жил и творил художник, ведь современный автор своими работами говорит о современности – анализирует, критикует, рефлексирует и высказывает мнение.

Современное искусство в нынешнем своем виде сформировалось на рубеже 1960-70-х годов. Художественные искания этого периода можно охарактеризовать как поиск альтернатив модернизму (от итальянского modernismo – «современное течение», охватывает период с конца XIX до середины XX столетия).

Искусство постмодернизма (дословно – «после модернизма») занималось поиском новых медиа, образов и средств общения художника со своим зрителем вплоть до дематериализации объекта искусства – перформансы и хэппенинги. Художественное исполнение отошло на второй план, во главе всего встали идея и смысл. Авторы уже не отрицают, как это было в модернизме, а заимствуют классические образы и традиции, придавая им новые интерпретации. Постмодернисты открыто иронизируют над современным миром в своих работах и не придерживаются никаких строгих правил.

В этот период оформляются такие художественные практики, как минимализм, концептуализм, стрит-арт, видеоарт, перформанс, оп-арт и другие. Разобрать все направления в одной статье невозможно, но сегодня поговорим о самых заметных явлениях, традиции которых художники продолжают и по сей день. 

В 1961 году музыкант и философ Герберт Флинт сказал, что если в музыкальном искусстве основным материалом является звук, то в изобразительном должна быть концепция. Эту мысль поддержал американский художник Джозеф Кошут, ставший основоположником концептуализма. Слово «концепция» (в переводе с латинского conceptio – «система понимания») обозначает комплекс взглядов на что-либо, связанных между собой. В художественной деятельности концепция – это ведущий замысел, конструктивный принцип построения художественного произведения.

Культовым образцом нового стиля стало произведение Джозефа Кошута «Один и три стула» (1965). Композиция состояла из обычного стула, его фотографии и текстового описания стула из словаря. Таким образом, самотематизирующая работа содержит в себе контекст собственной презентации. Таким образом, художники-концептуалисты сосредоточились на наделении произведений смыслами так, чтобы работа могла самостоятельно и представлять, и пояснять себя.

В этот же период как реакция на абстрактный экспрессионизм сформировалось направление «минимализм». Минималистов, которые сами себя так не называли, объединял тот факт, что все они выступали против узнаваемого стиля художника, художественной харизмы, драматизма и культа цвета. Они представляли зрителю объективную красоту предмета, исключая из процесса личность автора. 

Автором термина стал британский философ и искусствовед Ричард Уолхейм. В искусствоведении возникновение минимализма рассматривается как реакция на художественные формы абстрактного экспрессионизма, а его истоки можно найти в художественных практиках конструктивизма, поп-арта, супрематизма.

«То, что вы видите, – это то, что вы видите», – скульптор-минималист Фрэнк Стелла.

Еще один жанр, зародившийся в 60-х годах и активно использующийся художниками по сей день, – инсталляция. Инсталляция (от английского installation – «установка», «размещение», «монтаж») представляет собой пространственную композицию, созданную из различных готовых объектов и помещенную в пространство музея или галереи. Главная черта инсталляции – целостность собранного образа, то есть предметы, имеющие определенные свойства в быту, теряют их и выступают носителями новых смыслов и чувственных качеств.

К инсталляциям близка и другая форма современного искусства – перформанс, отличительной чертой которого является обязательное участие в художественном акте зрителей. К перформансу можно отнести любую воплощенную в жизнь ситуацию, в которую включены четыре элемента – время, место, тело художника, отношения между художником и зрителем. 

Первым действием, названным перформансом, стало музыкальное произведение «4′33″» композитора Джона Кейджа, показанное в 1952 году. «4′33″» – это трехчасовая композиция для произвольного состава инструментов, названная по ее продолжительности. В ходе концерта музыканты, находящиеся на сцене, не извлекают из своих инструментов ни единого звука. По замыслу композитора, звучание (как и содержание) опуса «4′33″» должно состоять из тех звуков окружающей среды, которые могут быть услышаны в зале за 4 минуты 33 секунды. Наиболее известная художница, работающая всю жизнь в жанре перформанса, – Марина Абрамович.

Современное искусство невероятно многогранно в своих проявлениях. Для того чтобы понять и разобраться в них, необходимо отключить внутреннего критика и стать исследователем. Если вы думаете, что не понимаете современное искусство, то хочу сказать, что и классическое, скорее всего, вы тоже не понимаете. В обоих случаях для того, чтобы считывать смыслы, заложенные в работах средневековых мастеров и современных авторов, нужна подготовка. Но, открыв мир современного искусства однажды, вы вряд ли сможете его покинуть.