Мода и арт-индустрия сегодня не просто связаны, а развиваются в симбиозе, дополняя и трансформируя друг друга. Дизайнеры часто делают отсылки к шедеврам мировой живописи, предлагают сотрудничество молодым и талантливым художникам, а те, в свою очередь, создают кастомизированные вещи и устраивают вместо показов настоящие перформансы.
Мы, к слову, даже делали материал, в котором показывали подиумные образы, вдохновленные знаменитыми картинами, а еще рассказывали о коллаборациях художников с люксовыми брендами.
А теперь переходим к самому интересному. Ты когда-нибудь задумывался, как тренды искусства повлияли на моду? Предлагаем обсудить эту тему вместе с автором Telegram-канала «Бахчисарайские гвоздики» Дариной Алексеевой. Передаем ей слово.
Дарина Алексеева
Развитие художественных стилей на протяжении многих веков определяло модные тенденции. В ХХ столетии союз моды и искусства достиг, пожалуй, наибольшего слияния – быстро меняющиеся арт-тренды не просто вдохновляли модельеров, но и приводили к настоящей революции на подиумах. Помимо образов и форм, навеянных дерзкими экспериментами авангардистов и постмодернистов, создавались коллаборации художников и модельеров, превращающие одежду и аксессуары в настоящие арт-объекты. Как писал Леон Бакст: «Впереди модниц идут художники, впереди художников идут их предтечи-новаторы».
Авангард и мода
Возникший в 1900-х авангард повлиял на все стороны культурной жизни. Кубизм, футуризм, орфизм, супрематизм и прочие «измы» определили визуальную эстетику на долгие годы. Геометрические формы, яркие цвета, одержимость движением и скоростью, практичность и простота – все это нашло отражение не только в живописи, архитектуре и дизайне, но и в моде.
Художница-орфистка Соня Делоне занималась разработкой текстиля для Шанель, Ланвен и Жака Хейма, открыла собственный «Симультанный бутик» (Boutique Simultané), где продавалась одежда в духе времени – для женщин-эмансипе, предпочитающих лаконичный крой чрезмерной роскоши. Делоне создавала вещи для жизни, отражающие динамику века с его автомобилями, самолетами и разрастающимися мегаполисами.
Русские авангардисты видели в моде актуальный язык для выражения своих идей. В их представлении мода должна была полностью трансформироваться, а внешний вид стать олицетворением нового человека.
Например, Михаил Ларионов и Илья Зданевич раскрашивали лица, Владимир Маяковский носил желтую блузу, а Александра Экстер, Ольга Розанова и Надежда Удальцова разрабатывали проекты платьев и аксессуаров, соединяя геометрические формы с техниками народных ремесел.
Казимир Малевич руководил текстильным факультетом промышленно-ремесленных мастерских и вместе со своими учениками занимался созданием эскизов для тканей, представлявших собой яркие сочетания супрематических фигур. Помимо этого, он разработал макеты костюмов и платьев, исходя из принципа цветового контраста.
Казимир Северинович Малевич. Эскизы костюмов к опере «Победа над солнцем» Казимир Северинович Малевич. Эскизы костюмов к опере «Победа над солнцем» Казимир Северинович Малевич. Эскизы костюмов к опере «Победа над солнцем»
Конструктивисты ставили во главу угла функциональность, придуманная ими одежда должна была воплощать концепцию потребностей нового советского человека. И Татлин, и Родченко со Степановой, и Попова стали своеобразными изобретателями антимоды.
Владимир Татлин смоделировал костюм «нормаль», который вряд ли можно было даже отдаленно назвать красивым, однако свою главную задачу – быть максимально практичным, гигиеничным и обладать легкозаменяемыми деталями – он выполнял. Любовь Попова и Варвара Степанова занимались прозодеждой – проектировали одежду для спорта, работы на производстве и тому подобное.
Сюрреалистическая мода предвоенного мира
Сюрреализм возник в эпоху между двумя мировыми войнами и моментально завоевал бешеную популярность. Причудливые образы на картинах Макса Эрнста, Жоана Миро, Ива Танги и прочих, замысловатая поэзия Поля Элюара и Жана Арпа, странные фильмы Луиса Бонюэля прекрасно отражали безумие окружающего мира. «Только греза оставляет человеку все права на свободу», – писал в манифесте идеолог движения Андре Бретон.
Картина Макса Эрнста Картина Жоана Миро Картина Ива Танги
Самый главный и самый скандальный сюрреалист Сальвадор Дали обладал не только богатым воображением, но и бешеной работоспособностью. Он принимал участие в любых проектах, где можно было бы реализовать свои неординарные фантазии, не избежала его влияния и модная индустрия.
Платье-скелет Шляпа-туфля Платье-лобстер
В 1930-е годы Дали стал сотрудничать с модельером Эльзой Скиапарелли. Так на свет появилось множество необычных моделей, таких как платье-скелет, платье-лобстер и, конечно же, шляпа-туфля.
Идея этого головного убора возникла в 1932 году благодаря фотографии, где Дали позировал с одной туфлей на голове, а с другой на плече. Автором снимка была жена и муза художника Гала, она же стала и первой владелицей шляпки-туфли. Сам аксессуар украсил зимнюю коллекцию Скиапарелли 1937–1938 годов.
Популярное искусство и демократичная мода 60-х
В 60-х годах ХХ века произошла настоящая революция как в искусстве, так и в мире моды. Бунтующая молодежь выражала презрение к любым традициям, а художники и дизайнеры с легкостью отказывались от привычных материалов и технологий.
Показ Paco Rabanne Показ Paco Rabanne Показ Paco Rabanne
Пока бывший иллюстратор гламурных журналов, а ныне король поп-арта Энди Уорхол устраивал вечеринки на «Фабрике» и штамповал банки супа «Кэмпбелл», англичанка Мэри Куант популяризировала мини-юбку, а Пьер Карден и Пако Рабан стали использовать для своих коллекций помимо обычных тканей винил, металл и пластик.
Послевоенную женственность снова сменили лаконичные геометрические силуэты, которые волшебно сочетались с выверенными линиями и фигурами с картин художников-абстракционистов. В 1965 году Ив Сен-Лоран представил публике коллекцию платьев «Мондриан» с характерным рисунком, позаимствованным с полотен художника-неопластициста Пита Мондриана, а год спустя вышла коллекция, воплощающая яркость, задор и иронию поп-арта.
«Находясь постоянно под влиянием живописи, я обязан своей июльской коллекцией 1966 года американским художникам, таким как Вессельман, Рой Лихтенштейн. Все мои платья были освещены пейзажами, луной и солнечным светом», – рассказывал Сен-Лоран.
Поп-арт с его рекламной эстетикой и любовью к повседневности стал тем самым мостиком между высокой и низкой культурой и в искусстве, и в моде.
Постмодернизм и деконструкция
Постмодернизм второй половины ХХ века дал художникам абсолютную свободу в выражении идей. Появилось огромное количество новых медиумов и практик, цитаты и апроприация стали неотъемлемой частью творчества, да и сами критерии оценки, что есть искусство, а что нет, сильно изменились. Современное искусство окончательно отказалось от задачи быть красивым, мастерски исполненным и «радовать глаз». «Возможно все» – пожалуй, так следовало бы охарактеризовать актуальную художественную культуру.
Yohji Yamamoto SS99 Comme Des Garcons Fall 1992
В модной индустрии такие перемены нашли выражение в деконструкции. Мартин Маржела, Йоджи Ямомото, Рей Кавакубо сознательно разрушали традиционную форму, отвергая принципы так называемого хорошего вкуса. Использование асимметричного кроя, неровных краев, необработанных срезов, всевозможных прорезей, швов и вытачек «налицо» стали визитной карточкой этих брендов.
Одним из признанных дизайнеров постмодернистов, enfant terrible от мира моды был Жан-Поль Готье, создавший уникальный образ певицы Мадонны 1990-х. Он превратил нижнее белье в верхнюю одежду, затянув Мадонну в жесткий каркас корсета с заостренной, словно снаряды, грудью, который скорее напоминал доспехи. Такая воинствующая сексуальность дополнялась мужскими костюмами, размывая границы гендерной телесности.
Уличное искусство и высокая мода
Стрит-арт, возникший в конце 70-х в неблагополучных районах Нью-Йорка, сегодня является чуть ли не самым коммерческим направлением. Уличных художников с удовольствием используют для рекламы, а модные дома устраивают с ними коллаборации или даже без стеснения воруют их работы, считая, что раз искусство создано в публичном пространстве, то оно не имеет авторских прав.
Изначально существующее в рамках субкультуры и выступающее против институциализации и коммерциализации арт-мира уличное искусство было уделом парней с городских окраин, которые не имели денег даже на баллончик с краской. Стрит-арт служил способом оставить свой след в каменных джунглях, выразить протест против бездушной системы капитализма и просто повеселиться.
Модная индустрия быстро отреагировала на потенциал дикого и энергичного арт-тренда, внедрив рисунки и граффити никому не известных художников в коллекции прет-а-порте.
Жан-Мишель Баския. Картина «Ирония негритянского полицейского» Рубашка Etudes Жан-Мишель Баския. Картина Versus Medici. 1982 год
Один из первых известных стрит-артистов Кит Харинг выступал против такой эксплуатации и даже наладил собственное производство одежды, которая продавалась по вполне доступным ценам. Сейчас танцующих человечки Харинга можно увидеть в коллекциях Vivienne Westwood, Comme des Garçons, Tommy Hilfiger, Levi’s и многих других.
В 2009 году дизайнер Марк Джейкобс выпустил коллекцию сумок Graffiti от Louis Vuitton, которую тут же раскупили знаменитости вроде Мадонны и Пэрис Хилтон. Не отстает от него и Balenciaga – в 2017 году бренд создал свою версию Graffiti Collection – серию сумок, рюкзаков и кошельков из черной кожи, расписанных в стиле пестрых дворовых тэгов.
При этом в мире моды достаточно примеров недобросовестного заимствования вполне известными брендами чужих работ.
В 2015 году креативный директор Moschino Джереми Скотт скопировал для своей коллекции граффити стрит-артиста Rime (Джозефа Тирни). Скотт посчитал, что если изначально рисунок был актом вандализма, то ни о каких авторских правах речи быть не может.
Мало того, вместе с Кэти Перри кутюрье появился на балу Met Gala, где они произвели настоящий фурор нарядами с ворованным принтом, умолчав, кто истинный автор граффити. Rime подал в суд на бренд за плагиат, добавив в обвинение нанесение ущерба его репутации уличного художника. Он заявил, что «нет ничего более противоположного аутсайдерскому «уличному авторитету», так важному для граффити-художников, чем ассоциация с европейским шиком, роскошью и гламуром, воплощением которых является Moschino».
Из последних скандалов стоит вспомнить возмущенный призыв Бэнкси воровать вещи из магазинов Guess, который без спроса использовал его работу «Метатель цветов (Ярость)».
«Они помогли себе с помощью моей работы, не спрашивая меня об этом. Так что может быть плохого в том, что вы сделаете то же самое с их одеждой?» – написал художник на своей странице в соцсети. И пусть Бэнкси лишился прав на собственное произведение, отказавшись в суде раскрыть личность, у него как у истинного уличного хулигана нашлись свои способы борьбы с произволом больших корпораций.
